Gisela Manteiga
Reflexión-Opinión de la Clase
Me interesa mucho como esta clase se ha de dar. Es interesante como es abierta a críticas, pensamientos, perspectivas e ideologías. El hacer reflexiones con temas solos o combinados me parece una alternativa buena para el aprendizaje sobre la arquitectura, ya que uno se puede orientar y educar sobre las perspectivas y distintos temas que hay en la arquitectura. Los temas dados en esta clase son de suma importancia para mi futuro arquitectónico y por esto quiero seguir aprendiendo y escuchar las opiniones diferentes que tenga mi profesor como las de mis propios compañeros, para así poder comparar mi punto de vista, pensamientos y perspectivas con todos ellos. Algunos de los temas que tocamos en las clases me han llamado la atención ya que algunos han sido temas que aún no conocía o que conocía muy poco de ellos, cómo los arquitectos Gehry y Moneo, arquitectos con estilos peculiares pero llamativos. No sé qué más pueda traer el camino de esta clase pero si me siento muy entusiasmada por seguir aprendiendo sobre más temas en la clase y poder adquirir más conocimiento sobre otros arquitectos y sus estilos, tipologías e ideologías.
Reflexión-Frank Gehry
FranK Gehry tiene muchas obras importantes y algunas de ellas son el edificio Dr. Chau Chak Wing en la Universidad de Tecnología de Sydney que fue terminado en el 2014 con 320,000 ladrillos en líneas de barrido, así descrito difícil según una escala. Tambíen esta Guggenheim de Abu Dhabi de Saadiyat en los Emiratos Árabes Unidos. Algunos proyectos significativos como las torres de Mirvish en Toronto y la multi-renovación de la década del Museo de Arte de Filadelfia, estos aún están en su época de diseño. En el año 2013 F. Gehry, fue nombrado arquitecto junto a Foster+Partners para poder diseñar High Street del desarrollo de la central eléctrica de Battersea, Londres, aquí tomo lugar su primer proyecto. Algunos proyectos de diseño no se pudieron llevar a cabo en momento dado, han mostrado progreso en cuestión de diseño, recientemente y entonces Gehry fue incorporado como arquitecto para el Grand Avenue Project en Los Ángeles.
El estilo arquitectónico de Gehry, según las “malas lenguas”, desafía la categorización, ya que este refleja experimentación, pero a la vez respeto por las demandas de la práctica profesional y ha permanecido desligado de tendencias estilísticas más amplias. Con sus ideologías modernas, Gehry ha tratado de retirarse de los tropos estilísticos modernistas sin cambiar su pensamiento acerca de transformadoras subyacentes. Así trabajando entre circunstancias dadas y materiales imprevistos, lo han evaluado como alguien que ha producido edificios “diferentes y divertidos”. También se dice que sus obras tienen en ellas algunos elementos de deconstructivismo. No obstante, una exhibición en New York en un Museo en el año 1988 reveló que su estilo también puede ser uno clásico y sofisticado que se intercala con la historia del arte europeo y las esculturas y pinturas contemporáneas. Muchos han intentado de copiar, a su manera, la forma de diseñar de Gehry y muchos lo han logrado como han fracasado, así como la expansión de Daniel Libeskind de Museo de Arte de Denver y como Walt Disney Concert Hall en Los Ángeles y el Museo de Cultura Pop en Seattle. Aunque hay algunos que permanecen con el concepto del efecto Bilbao con la noción de arquitectura estrella, Gehry ha rechazado sistemáticamente la etiqueta de arquitecto estrella.
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Reflexión-Rafael Moneo
Rafael Moneo, arquitecto y educador de descendencia española, ganó el Premio Pritzker de Arquitectura en el 1996, conocido por su uso en diseños de elementos históricamente referenciales y contemporáneos. Fue licenciado en la Escuela Técnica de Arquitectura de Madrid en el 1961 y estableció su estudio de arquitectura en Madrid en el año 1965 y luego comenzó su carrera en el 1966 en la Escuela Técnica de Arquitectura de Madrid. Su primer proyecto de diseño fue la Fábrica Diestre de Zaragoza en el 1967, luego en el 1974, cofundó la revista española Arquitectura Bis y trabajó su primer encargo en Madrid.
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R. Moeno, luego en el 1980, logra convertirse en catedrático de la Escuela Técnica de Arquitectura de Madrid, este mismo año le otorgaron diseñar el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, que tuvo un gran conocimiento internacional, y logró ser uno de los edificios más importantes. Para este diseño se inspiró en el antiguo teatro romano ubicado al lado de la calle. Otro de sus proyectos más reconocidos fue la ampliación de la estación de Atocha en Madrid. Luego en 1985 se mudó a Cambridge en Massachusetts, para convertirse en el presidente del departamento de arquitectura de la Escuela de Graduados en Diseño de Harvard, se mantuvo siendo presidente hasta el año 1990 y fue nombrado primer profesor Josep Lluís Sert del departamento en el 1991.
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Así sucesivamente con muchos proyectos reconocidos de Moneo, recibió varios premios, algunos fueron la Medalla de Oro al Logro en las Bellas Artes dada por el gobierno español en el 1992, también el Premio Memorial Arnold W. Brunner de arquitectura de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras en el 1993 y el Premio Rolf Schock de la Fundación Rolf Schock y la Real Academia de Bellas Artes de Estocolmo en el 1993. Así como el Premio Pritzker del 1996, R Moneo también recibió el Premio Antonio Feltrinelli de la Accademia Nazionale dei Lincei de Roma en el 1998, la Medalla Real de Oro del Royal Institute of British Architects en el 2003, la Medalla de Oro de Arquitectura española del Council de los Colegios de Arquitectos de España en el 2006, entre otros a través de los años. En fin, Rafael Moneo obtuvo muchísimos premios gracias a su increíble pensamiento en la arquitectura.
Reflexión- Crítica al Modernismo
“If drama is to be born anew, it must be born from myth, from the myth that embraces the beginning and the end of political history. The myth, which at the beginning of history anticipates its own end, is the myth of Oedipus. Just as communism signified for Marx the answer to the riddle of history, so the Oedipus myth for Wagner answers the riddle of man, posed by the Sphinx. The answer, which we must realize through the emancipation of human nature, will bring unnatural history to an end.” (Roberts & Murphy, 2004).
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En la lectura titulada, Newly Invented Myths, se nos habla desde una perspectiva critica e histórica, como el compositor Wagner, demarco completamente, lo que es el Romanticismo, en las artes y la música. En especial, para la cultura y el pueblo, alemán, que lo vieron como un tipo de religión. habiendo dejado atrás, los esteticismos antiguos de pensadores y eruditos anteriores, además de los diferentes aspectos históricos, escritores filosóficos, como Nietzsche, o Heidegger comenzaron a buscar una nueva identidad para el pueblo alemán. Una nueva identidad colectiva que se traduciría a las artes claro esta. Porque el arte, es nada más y nada menos, que la expresión psíquica, tanto colectiva como individual.
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“If The Ring articulates in romantic-mythical dis- guise the dialectic of enlightenment, it points to the dialectic of romanticism as its inseparable other. Nietzsche and Heidegger's turn to the mythical powers of origin is built on the ruins not only of the dialectical philosophy of history but of western civilization as a whole. And here it is Wagner's revolu- tionary/re-volutionary construction of European history that serves Nietzsche - and through Nietzsche Heidegger - as the model for their eschatologies. Crucial to Wagner's interpretation of history is a myth that embraces the beginning and the end of history.” (Roberts & Murphy, 2004).
No nos debe sorprender, que años luego de estos escritores, el partido Nazi, tomara estos escritos de Nietzsche, las operas de Wagner y sus canciones, para avanzar su agenda política, mediante la identidad colectiva del pueblo alemán, y la derrota de la primera guerra mundial.
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Reflexión- Notas sobre la "teoría del autor" en ficciones audiovisuales
“Como elemento de partida, se encuentra en estos autores un claro intento de distanciarse de posturas estéticas o formalistas. Su pretensión no era encontrar artistas que hubieran creado obras de arte. Buscaban autores, por supuesto, pero no a través de características formales recurrentes, sino a través de la persistencia de estructuras comunes. El criterio, por tanto, para bautizar a un director como autor se basaba en la aparición o no de estructuras comunes en su producción. De este modo, los estructuralistas esperaban evitar el caer en ese culto a la personalidad del que habían sido acusados los críticos de autor. “ (Cuevas, n.d).
Es sumamente difícil, el tema de la teoria del autor y lo que esto conlleva. Nombres que conocemos, como Spielberg, Kubrick Coppola, son directores, de la vieja guardia, que han creado obras de artes cinematográficas. En algunos casos, se han dejado basar en su imaginación, en algunos otros casos, la idea viene a ellos, en un libro, historia, como The Godfather y Coppola, Jurassic Park y Spielberg. En algunos casos, sinfonías como la de Wagner, ayudan a la sonoridad temática, como lo es peculiar, en las películas de Kubrick.
Lo interesante del caso y en lo que, si concuerdo con la lectura, es que para que se pueda criticar a un director como autor, se debe de tomar en cuenta, lo que lo separa a ese director cinematográfico con los otros. Ahora todo el mundo puede crear una película, con su iPhone y ser un director Amateur. Sin embargo, son pocos los que pueden salirse del molde, como hicieron los pioneros antes mencionados.
Reflexión- Compendio Arquitectura Durand
Por siempre ha existido esta riña entre el arquitecto y el ingeniero. Las diferencias y las similitudes de estas son plenas para escribir en este escrito. Sin embargo, me atrevería a decir que los cambios de ellas como profesiones, se dieron gracias a Duran y la contribución de este. Que será lo que hablaremos en breve en el siguiente escrito.
En la lectura, se nos indica que el periodo es uno, posterior a la revolución francesa y este periodo, es conocido como el periodo de las luces o de los iluminados, por los cambios paradigmáticos que estaban enfrentando en Francia en aquel entonces. Durand obviamente desconfiaba en cierta manera, de los arquitectos. Por ello es por lo que prefería que aquellos que estudiaban ingeniería, fueran los arquitectos también. “Actualmente, tienen mas ocasiones de realizar obras que los arquitectos propiamente dichos. En efectos, estos el curso de su vida, no tienen que construir a menudo más que casas particulares. Mientras que los otros, además del mismo tipo de edificios, que les pueden ser encargados, igualmente, en las regiones apartadas, donde los arquitectos son muy escasos, se encuentran por su condición llamados a levantar hospitales, prisiones, cuarteles, arsenales, almacenes, puentes, puertos, faros; en fin, una multitud de edificios de máxima importancia…”
Theories of Authorship & Intention in the 20th Century: An Overview
Cuando de hablar de autores se trata, no es lo mismo un autor de una novela o un ensayo, a ser el autor y director de una película. A pesar de que la cinematografía, se puede dejar llevar por un escrito de un libro o un ensayo, como iluminación o referencia. Coppola lo hizo con The Godfather, que era inicialmente una novela de Mario Puzzo. Del mismo modo, este autor, ya sea de película o de escritos, tiene otros lugares de los cuales inspirarse, en especial cuando hablamos de su trasfondo biográfico y las cosas que le apasionan a este. Esto es la temática y la problemática inicial en nuestra lectura titulada Theories of Authorship and Intention in the Twentieth Century: An Overview Dario Compagno.
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Sin embargo, otros proponentes de hoy dia, de la critica de la autoría y del autor, postulan que debemos en cierto modo “asesinar al autor”, en especial cuando leemos libros y novelas. We should point out that Barthes’s proper interest is literature: for Bar- thes contemporary works have to be read as if they did not have an author.5 The author’s intention is just an undue limit to the reader’s freedom: ‘To give a text an Author is to impose a limit on that text, to furnish it with a final signified, to close the writing’ (1977, 147). There is no reason to confine readings within what we suppose the author wanted to say.”
Interesantemente la ultima frase del texto me dejo pensando mucho más cuando nos dice que el debate de la autoría del autor y todos estos problemas, son problemas del siglo 21…
Reflexión- Lo contemporáneo
Lo contemporáneo en la arquitectura empezó a finales del siglo XIX y principios del XX. Esto ha causado un movimiento que revolucionó la forma de nuestro entorno. La evolución de la arquitectura contemporánea empezó luego de la evolución de los materiales de construcción en el siglo XIX y ha inspirado a muchos arquitectos a aprovechar la oportunidad de una nueva forma de pensar.
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La arquitectura es un arte funcional y esto tiene un impacto grande en nuestras vidas. Es donde vivimos, donde trabajamos y así es como podemos expresar nuestros valores y personalidades. Todas nuestras relaciones, nuestros sueños y recuerdos están rodeados por la arquitectura. Los edificios comenzaron a tener un significado completamente diferente a principios de los años 30 y se comenzó a expresar también el interior del edificio. Los fundamentos del diseño arquitectónico antes y después de la contemporaneidad, siempre han sido los mismos, como el diseño de espacios, la definición del espacio o el aspecto de cómo la iluminación natural cae dentro del espacio. Lo que ha cambiado es el uso y la conexión de los materiales. A finales del siglo XVIII, cuando el estilo del Alto Barroco apeló, era muy conocido para los arquitectos utilizar superficies lisas, de colores pasteles, ocasionalmente curvas, y algunas áreas de cristal, como los espejos y las ventanas. Entonces empezó la contemporaneidad, y el aspecto del diseño de los tejados se hizo plano y simple. También hubo cambios en la categoría de materiales; las torres de cristal, los marcos de acero o el hormigón armado se convirtieron en los principales materiales de la arquitectura.
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Uno de los edificios más famosos del siglo XX, de la arquitectura contemporánea fue la Bauhaus, situada en Alemania. Fue diseñada por un arquitecto llamado Walter Adolf Georg Gropius en 1919. Gropius fue el primero en plantear la situación en términos contemporáneos. El conflicto había surgido debido a las posibilidades de guerra entre la calidad de la artesanía y la cantidad hecha posible por la industria. La Bauhaus se utilizó principalmente para exposiciones, conciertos y representaciones teatrales, pero también para la educación. En el primer año, los estudiantes aprendieron los elementos básicos y los principios del diseño, la teoría del color, además de experimentar con una gran escala de materiales y procesos. Bauhas conmovió a los arquitectos de otros países y continentes a diseñar un lugar donde las personas pudieran compartir con sus intereses y conocimientos similares. Este era un lugar perfecto para las personas que eran creativas y admiraban el arte de todo tipo. Bauhaus transformó el diseño y la producción de la arquitectura contemporánea y ha utilizado marcos de acero y paredes y ventanas de cristal. Gropius utilizó una gran cantidad de cristal para que el edificio se sintiera como un espacio abierto. El espacio abierto hacía sentir a las personas libres e independientes. La grandiosa estructura de la Bauhaus da una gran impresión particularmente en la noche cuando las luces resaltan la belleza y la libertad de las paredes de cristal.
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La arquitectura se volvió contemporánea cuando la revolución de los materiales y la tecnología apareció en el siglo XX. Se puede percibir la contemporaneidad cuando se observan edificios como Burj Al Arab en Dubai de Tom Wright, Le Grand Louvre en París de Ieoh Ming Pei o las grandes obras de Frank Lloyd Wright: Guggenheim y Fallingwater. Estos diseños contemporáneos están hechos principalmente de cristal. En la arquitectura contemporánea el cristal es como un principio. Otra característica de lo contemporáneo son las ventanas y los techos asimétricos. Las líneas claras y nítidas que se usan en la simplicidad son las principales ideas en la contemporaneidad. Otra cosa importante y cómo se puede reconocer la contemporaneidad es cuando se ven espacios abiertos con mucha luz que entra por ventanas de diferentes ángulos y formas.
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En el siglo XX las personas comenzaron a tener una comprensión diferente de la Arquitectura. Durante el diseño de la Arquitectura Antigua todo se hacía a mano con sólo papel y lápiz. Entonces apareció la tecnología y ha cambiado drásticamente y la Arquitectura tuvo más posibilidades en diseñar con diferentes materiales y formas únicas. Nunca pensaron que la tecnología podría ser más precisa que el dibujo a mano. Las personas no tienen que invertir horas dibujando los diseños en papel porque ahora tenemos los programas que ayudan a los arquitectos a ahorrar tiempo en el desarrollo de cada uno de sus diseños.
Reflexión-Edificio de Ciencias en la Universidad de Columbia en Nueva York
Este proyecto para su construcción obtiene como origen en el plan histórico el campus de Morningside Heights, diseñado por McKim, Mead y White de la Universidad de Columbia, esto fue así ya que los arquitectos de la actualidad decidieron desde un comienzo que el edificio nuevo debía seguir el diseño de McKim, Mead y White, que mantendría la misma separación entre sus vecinos y mediría aproximadamente de ancho sesenta y cinco pies. El nuevo edificio logró proporcionar un acceso importante para la circulación peatonal del antiguo campus hacia la sede en el norte.
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Ya definida la escala y el enfoque de este diseño, el reto fue desarrollar conexiones entre la circulación de la calle y el campus, ya que varias estructuras confligían con el espacio, mayor parte del edificio tuvo que ser construido sobre una de las estructuras y adaptar se al programa. Estos arquitectos tuvieron un gesto estructural de salvar los 125 pies sobre las estructuras existentes y esto fue lo que defini’el proyecto.
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Se lograron distintas formas, geometrías, cada una con un significado. La rareza de los patrones diagonales de la fachada es una reacción a la distorsión de la carga, simétricamente. En la montura de la fachada se reproduce un patrón de aletas de aluminio, haciendo un mosaico de luces y sombras, con la finalidad de que parezca una estructura prismática y brillante que se apoya en un pedestal de piedra tallada. El lado del campus es prácticamente de cristal, marcando la operación de la construcción y su filiación con la comunidad del campus. Este edificio nuevo refugia cuarenta y cinco mil pies cuadrados de espacio de laboratorio de biología, física y química, con soporte espacios de estudio. Además, este programa consta una biblioteca de trece mil pies cuadrados de investigación, una cafetería, un auditorio y una entrada para el público.
Reflexión- The Soft Umbrella Diagram
Esta lectura ofrece alrededor de diez interpretaciones de obras arquitectónicas y arquitectos del 1950 hasta el 2000, así como meta-interpretación de varias de estas mismas interpretaciones. La última de estas, tiene consecuencias en la arquitectura histo-gráficas y ontológicas, porque toca varios modos de existencia y el orden de las obras arquitectónicas internas, con el fin de construir fases de desarrollo que no van a la par con los estilos establecidos. Dedica una revisión de especificaciones arquitectónicas actuales, en especial la moderna y posmoderna. Esta lectura se divide en tres partes: La reconstrucción de los procedimientos interpretativos en diez edificios canónicos, categorizar en contextos metodológicos interpretativos y caracterizar su aparato categorial y por último señalar las consecuencias ontológicas y arquitectónicamente histo-gráficas de los procedimientos. La reconstrucción habla de los hallazgos que los cambios declarados en los procedimientos de interpretación, algunos pasos deben repetirse en todas las obras.
Podemos decir que Eisenman busca formar una secuencia ordenada pero capaz de tener variedad al tratar con carácter específico las obras arquitectónicas. Así, busca ciertas trampas y métodos de interpretación histórico artísticos que pueden funcionar sin ningún problema en caso de las obras pictóricas u obras objetuales, pero que fallan en caso de que no. La variedad de este método es muy asegurada por la finalidad de la interpretación. Eisenman no le interesa descifrar significados que sean sobre-arquitectónicos, a los que también nombra análisis simbólico y semántico, tampoco es fiel de un análisis completamente formal que aborde solo las cualidades físicas, funcionales, geométricas y estéticas de las obras.